Rencontre avec Liu Bolin, de ses premières photos à l’art numérique

Après avoir parcouru le monde entier, Liu Bolin s’intéresse de plus en plus à l’art numérique. Son œuvre The Tightrope Walker sera à ce titre exposée lors de la 3ème édition du festival Palais Augmenté (le festival dédié à la création artistique augmentée et immersive), qui prendra ses quartiers au Grand Palais Éphémère du 23 au 25 juin prochain. À cette occasion, l’artiste chinois revient sur son parcours et son processus créatif, partageant ses ultimes réflexions.

Comment en êtes-vous arrivé à placer vos obsessions actuelles (l’individualisme, le capitalisme, le contrôle de nos modes de pensée) au coeur de votre recherche artistique ?

Dans les œuvres de Hiding in the City, je choisis généralement des scènes de la vie courante comme source d’inspiration, tout en réfléchissant au caractère contradictoire et interdépendant des lieux de vie des êtres humains. Je préfère un arrière-plan ordinaire pour me cacher parce que je veux inciter les gens qui m’entourent à faire attention à notre environnement et à l’authenticité des relations dans le travail.

J’accorde plus d’attention à la signification derrière le fait de se cacher, à la signification du fait que l’environnement fait disparaître les gens, et à ce que l’environnement créé par les humains apporte au développement spirituel de chaque individu.

Vous souvenez-vous de la première fois où vous êtes devenu invisible ? Où était-ce, dans quel contexte ?

C’était à Pékin en 2005. Alors que les Jeux olympiques de 2008 attiraient l’attention du monde entier, l’art contemporain chinois, en tant qu’image de la Chine, était également sous les feux de la rampe. C’est dans ce contexte que le Suojiacun International Art Camp a vu le jour. En 2004, plus de 140 artistes chinois et étrangers y travaillaient, ce qui en faisait le plus grand camp d’art international d’Asie à l’époque. Cependant, au début de l’année 2005, l’activité du quartier des arts a été suspendue, jusqu’à ce qu’il soit démoli le 16 novembre 2005. Ma première œuvre a été réalisée le lendemain de la démolition, devant les ruines de mon atelier dans l’Art District. La disparition de l’artiste, à son initiative, est utilisée pour remettre en question l’ensemble de cet événement. Cette œuvre est utilisée pour appeler la société à prêter attention à la situation de l’artiste. Dès lors, j’ai élargi mon rôle, en tant qu’artiste. J’ai complètement assumé le questionnement social et la réflexion comme points de départ de mes créations, ce qui m’a redonné un nouveau souffle. Au même moment, j’ai confirmé la direction consistant à s’en tenir à la participation du corps, au résumé et à la suggestion d’événements, et à se concentrer sur les thèmes habituels liés à la vie des êtres humains.

Au cours des 19 dernières années pendant lesquelles j’ai travaillé sur Hiding in the City, j’ai constamment appris du monde grâce à mes œuvres. C’est grâce à cette série que j’ai pu m’ouvrir au monde de l’art et ouvrir mon coeur. En appréhendant le monde extérieur, je perçois mieux le sens de ma vie.

Comment choisissez-vous les lieux que vous photographiez ? 

Pour le choix de l’arrière-plan, j’opte généralement pour des scènes ordinaires qui apparaissent constamment dans le processus de développement de la société humaine. À travers mes œuvres, je m’interroge sur la restriction mutuelle et la relation contradictoire entre la civilisation que nous créons et le développement humain.

Après avoir choisi l’arrière-plan, je réfléchis généralement à la posture dans laquelle je veux me tenir, à l’endroit auquel je fais face, à la distance à laquelle l’appareil photo doit se trouver, et à la meilleure manière de capter l’œuvre.

Combien de personnes sont impliquées dans vos photographies ? 

Je photographie Hiding in the City depuis 2005. Au début, la plupart des œuvres ne contenaient que mon propre corps. Depuis 2013, j’ai essayé d’inviter davantage de personnes à participer à mon travail. Ma première œuvre ciblée s’intitulait Cancer Village. En raison de la pollution environnementale causée par le développement économique, le taux de mortalité naturelle de nombreux villages a augmenté, et beaucoup de villageois souffrent de cancer. J’ai trouvé plus de 20 personnes dans le village local pour participer à mon travail. Mon intention première était d’établir un lien plus étroit entre mon sujet et la société. Plus tard, j’ai voulu laisser les personnes qui participaient à mes œuvres exprimer leur attitude envers la société par leur langage corporel.

Quel est le plus grand défi lors d’une séance ? 

Le temps de peinture sur le corps doit être déterminé en fonction de la complexité de l’arrière-plan. S’il y a beaucoup de détails dans des œuvres telles que des supermarchés et des magazines, cela prendra beaucoup de temps. Le temps le plus long a été de près de quatre jours avec deux assistants. En général, un arrière-plan simple peut être photographié en une journée, surtout en extérieur. Pendant le shooting, je restais immobile et j’essayais de travailler avec mes assistants pour qu’ils puissent peindre sur moi, car ils auraient rencontré beaucoup de difficultés si j’avais bougé. Cela met ma force physique à l’épreuve. En restant debout, je combine lutte pour la vie et dévouement à l’art. Il semble que j’aime ce genre d’auto-torture pour communiquer avec le monde !

Quelle a été la photo la plus compliquée à réaliser ? Pour quelles raisons ?

C’est Bird’s Nest (“Nid d’Oiseau” en français) qui m’a posé le plus de problèmes. C’était après la première neige de 2009, après les Jeux olympiques de Pékin. Comme il avait neigé la veille, je suis allé prendre des clichés du Bird’s Nest le lendemain. La plus grande difficulté que nous avons rencontrée était la température très basse. Lorsque nous nous sommes rendus sur les lieux, il y avait du vent, ce qui a interféré avec la météo. Les maxima de la journée étaient de -2 degrés. J’ai gelé lorsque j’ai peint les couleurs sur ma peau. J’ai mis les vêtements les plus épais possibles. En plus, le posemètre utilisé pour mesurer la lumière a cessé parce qu’il faisait trop froid. Mes assistants n’ont pas pu manger ce jour-là. Après avoir surmonté toutes ces difficultés, j’ai finalement photographié Bird’s Nest après une journée entière de peinture. Comme je n’avais aucune expérience de la prise de vue, Bird’s Nest était loin de mon corps. De plus, je n’ai pas identifié de problème de distance focale sur le moment, et ce n’est qu’au sortir de la chambre noire le lendemain que j’ai découvert que la mise au point était ratée. J’ai dû y retourner le lendemain pour rattraper ça.

Vous qui combattez la disparition de l’individu en tant que libre-penseur, ne craignez-vous pas que votre travail soit vain ?

Je travaille pour communiquer avec le monde. Mon procédé est de disparaître, de me fondre dans les marqueurs de la civilisation que l’humanité a créés. Ce processus est au cœur même de ma conversation personnelle instinctive avec la matière et le monde instable. Plutôt qu’un penseur, je me considère comme un observateur et un interprète. L’évolution du travail et du cycle de vie sont étroitement liés à mon développement personnel, grandir avec le monde et en faire l’expérience.

Pour les artistes, toute recherche artistique est une approche continue de leur âme unique. En tant qu’artiste, j’ai eu la chance de trouver un moyen de me conformer à ma spiritualité et à mes caractéristiques. Avant d’aller à l’université, j’avais deux rêves : être artiste ou soldat, et les œuvres de Hiding in the City m’ont aidé à réaliser ces deux rêves. Je porte l’uniforme de l’armée chinoise, et chaque fois que je prends des photos, je me tiens droit comme un soldat, immobile dans une posture militaire.

Votre travail a évolué de la photographie vers des techniques plus numériques, y compris l’utilisation de l’intelligence artificielle. Quelles pistes d’évolution y trouvez-vous ? Comment envisagez-vous les synergies entre les mondes numérique et physique ?

Mes études universitaires et post-universitaires portaient sur la sculpture. Mon initiation à l’art a donc commencé par l’étude de la sculpture. Avant de tourner la série Hiding in the City, mes œuvres étaient toutes présentées comme des sculptures. Je passe la plupart de mon temps en studio à créer des sculptures et des installations.

Grâce à la popularité offerte par Internet et la technologie virtuelle ces dernières années, mes œuvres ont commencé à se focaliser sur l’impact des déchets électroniques et de la technologie internet sur les êtres humains. A titre d’ exemple, mon œuvre Utopia créée à partir de nombreux chargeurs de téléphones portables en 2011. En 2015, j’ai engagé de véritables hackeurs pour remplacer des photos sur les sites web de gouvernements européens, télécharger leurs images d’origine, me cacher dedans et les remettre en place sur la page web d’origine.

Au cours des dix dernières années, j’ai constamment essayé de dialoguer avec un monde imparfait en utilisant les matériaux qui me sont donnés par le monde réel et mon propre ressenti. Nombre de mes œuvres n’ont jamais été exposées, mais mon développement en tant qu’artiste est très, très enrichissant. Je suis reconnaissant au monde de me tolérer et de me donner l’opportunité de grandir librement.

Pourquoi être passé de Hiding in the City à la peinture virtuelle ? 

Au cours des dernières années, j’ai suivi les conseils de mon cœur dans son dialogue avec le monde et la civilisation humaine. Aucun style, aucun mouvement ne m’a jamais influencé. J’ai toujours perçu le monde avec un cœur ouvert, et j’ai tenté de le représenter à ma façon.

Depuis plus de dix ans, je me consacre à la création artistique dans le monde entier, avec des échanges internationaux. À cause de l’épidémie de COVID-19, beaucoup de mes projets ont été annulés et je ne peux qu’écrire en Chine. Avec la quarantaine, je ne peux découvrir le monde que je croyais connaître que sur Internet et au travers de la télévision. L’épidémie m’a fait réfléchir à la Terre et au sort des humains. Durant cette période, je me suis consacré à l’étude des relations entre philosophie, spiritualité, vie et art, et j’ai complètement modifié mon processus de création. J’ai par exemple réalisé des peintures virtuelles, des peintures à l’huile et des sculptures.

Grâce à l’impression 3D et à la modélisation par balayage, j’ai proposé certains changements qui ont conduit des gens à être intégrés dans le programme virtuel, à être fragmentés, formatés et même pixélisés. Selon moi, la création artistique doit être liée à l’époque et explorer le monde actuel avec les moyens que nous maîtrisons. Ce n’est qu’ainsi que l’on peut accomplir les tâches assignées par notre histoire, et repousser les limites du langage artistique. J’espère également qu’à travers ces nouvelles créations, les gens pourront réfléchir davantage sur eux-mêmes, sur la technologie que nous avons maîtrisée et sur les limites cognitives auxquelles nous sommes confrontés.